Young Hwa Yang 양영화
Biography
양영화 본인은 서울에서 태어나 반포 초등학교, 세화 여중고를 졸업하고 숙명 여자 대학 관현학과 실기 부수석으로 입학 하였습니다. 입학하여 홍종화 교수님께 실기와 연주 실내악 수업을 사사 받았으며 1993년 프랑스 nice에서 열린 뮤직 캠프에 참여 하여 강동석 선생님께 사사 받았으며, 같은 해에 오스트리아에서 열린 연수에 양해엽, 양성식 선생님께 사사를 받고 연주 하였습니다. 1994년 프랑스 flaine에서 열린 음악 연수에 참여하여 세계 여러 음악 교수님들의 연주와 테크닉 적인 것을 보고 배우고 왔습니다.
그리고 1994년도 숙명 여자 대학 춘계 연주회에서 협연을 하였으며 그 다음해인 1995년도에 숙명 여자 대학원 기악학과에 입학 하였습니다. 수많은 연주와 실내악을 연주하였으며 숙명 여자 대학 발전 기금 마련을 위한 연주회를 호암 아트홀에서 협연하였으며, 한.일 교류 작품 연주회를 했습니다.
1997년도 대학원 졸업 하고 1997년도 코리안 필 하모니 오케스트라 에서 7년 동안 악장, 제1 바이올린 을 역임했으며, 1999년도 숙명 (여자 대학 기악과 부전공 실기 강사로 출강 하였습니다.
Yang Young-hwa was born in Seoul and graduated from Banpo Elementary School and Sehwa Girls’ Middle and High School. She was admitted to the Department of Orchestral Instruments at Sookmyung Women’s University as ranking second-highest in performance. Upon entering, she studied performance and chamber music under Professor Hong Jong-hwa.
In 1993, she participated in a music camp held in Nice, France, where she studied under teacher Kang Dong-suk. In the same year, she also attended a training program in Austria, where she studied with and performed under teachers Yang Hae-yeop and Yang Sung-sik.
In 1994, she took part in a music training program held in Flaine, France, where she observed and learned from performances and techniques of several world-renowned music professors.
That same year, she performed in the Sookmyung Women’s University Spring Concert, and in 1995, she entered the graduate program in Instrumental Music at Sookmyung Women’s University. She performed in numerous concerts and chamber music events, and collaborated in a fundraising concert for the university’s development fund at the Hoam Art Hall. She also participated in a Korea-Japan exchange concert.
After graduating from graduate school in 1997, she served for seven years as concertmaster and first violinist with the Korean Philharmonic Orchestra. In 1999, she began teaching as an adjunct instructor for performance in the Instrumental Music Department at Sookmyung Women’s University.
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I have three sisters, so there are four daughters in our family. Our parents had a deep love for music—particularly classical music. I vividly remember that whenever we went on family trips by car, my mom would always play classical music during the drive.
Sometimes, I would ask her what piece was playing, and among the four of us, I think I was the most interested in the music. As it turned out, my older sister eventually majored in flute, I studied the violin, our third sister played the cello, and the youngest initially took up the bassoon but didn’t pursue it further; she ultimately didn’t major in music.
As for how I started playing the violin, when I was about six years old, before I entered elementary school at seven, my mother brought home two violins. She had bought them for us to try. She gave them to my older sister and me, but my sister decided she didn’t want to continue after the very first day. I, on the other hand, kept playing, and that’s how my journey with the violin began.
우리 집은 딸만 넷인데, 엄마 아빠가 클래식 음악을 좋아하셨던 것 같아. 그래서 예전에 차 타고 여행 가면 항상 차 안에서 엄마가 클래식을 틀어주셨어. 그러면 내가 “이 곡이 뭐야?” 하고 물어보기도 했고, 네 자매 중에서도 내가 관심이 좀 많았던 것 같아. 지금은 언니는 플루트를 전공했고, 나는 바이올린 했고, 셋째는 첼로 했고, 막내는 바순을 배우다가 그만뒀어.
바이올린을 처음 시작하게 된 건, 내가 여섯 살 때 엄마가 바이올린 두 개를 사 오셨을 때야. 언니랑 나한테 하나씩 주셨는데, 언니는 첫날부터 안 한다고 했고, 나는 계속 했지. 그게 내가 바이올린을 시작하게 된 계기야.
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When it comes to violin pieces, I love Bach. Of course, Mozart as well.
Every time I play Bach, I can’t help but think he was a true genius. The more you perform his music, the more challenging it becomes—not just in terms of technique, but because it demands that the performer put their soul into it for it to sound right. As for Mozart, maybe it’s because I’ve played all five of his violin concertos, but each piece feels completely different. And yet, when you listen, there’s still that unmistakable “Mozart-ness.” I think that quality resonates with me particularly well.
작곡가는, 일단 바이올린 곡 중에서는 바흐를 좋아해. 물론 모차르트도 그렇고.
바흐는 정말 연주할 때마다 천재라는 생각이 들어. 하면 할수록 어렵고, 단순히 테크닉만이 아니라 연주하는 사람의 소울이 들어가야 제대로 들린다는 게 매력이야. 모차르트는 내가 바이올린 협주곡 1번부터 5번까지 다 연주해 봐서 그런지 모르겠지만, 곡마다 다 달라. 그런데 또 들으면 딱 모차르트 스타일이 있어. 그 ‘모차르트스러움’이 나랑 잘 맞는 것 같아.
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Of course, the musicians who influenced me the most would have to be my teachers. I actually had quite a few of them—starting from the very first teacher I learned with as a child, to my middle school, high school, and university professors. I studied with Yang Sung-sik, with Professor Hong Jong-hwa, and even with Lee Taek-joo before entering university.
As for performers I admire, many of them are now elderly—almost like grandfathers. People like Gidon Kremer and Itzhak Perlman. They’ve become almost mythical figures in the violin world.
선생님이 영향을 많이 받은 연주자는 물론 내 스승님들이겠지? 근데 선생님은 스승님들이 정말 많았어. 어렸을 때 처음 시작할 때의 선생님부터, 중학교·고등학교·대학교 교수님까지. 양성식 선생님도 계셨고, 홍종화 교수님도 계셨고, 대학 가기 전에 이택주 선생님께도 배웠었거든.
그리고 좋아하는 연주자는, 지금은 다 연세가 많으셔서 할아버지들이 되셨지. 기돈 크레머, 이작 펄만 같은 분들. 약간 신화적인 연주자들이야.
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As for my special practice method, it’s for those parts where your fingers just won’t cooperate, or a passage that’s really stubborn. Right before that part comes up, you start thinking, “Ah, it’s coming… it’s coming,” and then, of course, it doesn’t work. In those cases, I start with the metronome at 60 and gradually increase it step by step up to 160. So if there are 100 steps, you play it 100 times. By the time you reach around 160, your fingers are ready. That’s my personal way of practicing.
As for my routine, I usually change my strings about three days before a performance. That’s when the instrument sounds its best. That’s about it—no other special routine.
특별한 연습 방법은, 예를 들면 손가락이 어디가 안 돌아간다거나 어떤 파트가 진짜 안 된다? 꼭 그 부분이 나오기 몇 마디 전부터 ‘아, 나온다 나온다’ 하면서 불안해하다가 결국 안 돼. 그럴 때는 그냥 아예 메트로놈 60부터 시작해서 160까지, 단계별로 하나씩 올려가면서 연습해. 100단계면 100번 하는 거지. 그렇게 차근차근 올리다 보면 160쯤 되면 손가락이 돼 있어. 그게 나만의 연습 방법이야.
그리고 루틴은, 연주하기 한 3일 전에 줄을 간다? 그때가 제일 좋은 소리가 나거든. 그 정도? 따로 특별한 루틴은 없어.
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I played in the Korean Philharmonic Orchestra for about eight years, and I was the concertmaster. When I first started performing with them, there were some really difficult pieces—even among symphonies, Mahler was incredibly challenging. When we performed those pieces after intense practice, the sense of accomplishment I felt from having pulled it off was even stronger than the audience’s reaction. Moments like that made performing extremely rewarding and also a real challenge. There were so many concerts that I can’t remember all of them, but those moments definitely stood out. In particular, there were a few notoriously difficult pieces that the orchestra members were reluctant to play.
내가 코리안 필하모니 오케스트라에서 한 8년 정도 연주했거든. 거기서 퍼스트 수석이었어. 처음 같이 연주할 때 진짜 어려운 곡들이 있었는데, 심포니 중에서도 말러 같은 건 너무 힘든 곡이야. 그걸 엄청 연습해서 공연했을 때는 관객 반응보다도 내가 해냈다는 성취감이 더 크게 느껴지더라. 그런 게 클 때는 연주하면서 보람도 크고 도전이 되는 무대도 있었어. 연주가 워낙 많아서 다 기억은 안 나는데, 아무튼 그런 순간들이 있었지. 특히 오케스트라 단원들이 연주하기 꺼리는 난곡들도 몇 개 있었어.
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I recently went to Yunchan Lim’s piano concert. These days, getting tickets is really tough, you know? A friend invited me, and it turned out the venue only fit about 300 people—not at the Arts Center. Because it was so small, I could watch him play the piano from literally the front row.
At the same time, you could really feel that Yunchan Lim loves playing the piano—that he was born to play. He was completely immersed in the music. Of course, as you get older, that kind of pure passion can fade a bit, right? I loved how pure he was. He just played according to the score, in his own way. Some performers try to overact or show off, but he didn’t do that at all.
I think the best thing for a young performer is to play in a way that suits their age—not too mature, not too light, but just right for who they are. That, to me, is the most appealing.
나 최근에 임윤찬 피아노 콘서트 갔다 왔거든. 근데 그거 요즘 진짜 가기 힘든 거 알지? 아는 언니가 초대해줘서 갔는데, 300명만 들어갈 수 있는 팀이 있더라. 예술의전당 말고. 300명만 들어가니까 진짜 바로 앞에서 피아노 연주를 볼 수 있었어.
한편으로는, 임윤찬은 정말 피아노 치는 걸 좋아하고, 피아노를 치려고 태어난 애구나 하는 게 느껴졌어. 완전히 거기에 빠져서 연주하더라고. 근데 나이가 들면 아무래도 그 퓨어한 게 조금씩 사라지겠지? 나는 임윤찬이 너무 퓨어해서 좋았어. 걔는 악보대로, 자기 방식대로 그냥 치는 거야. 괜히 오버액션 하면서 보여주려는 연주자들도 있는데, 임윤찬은 그렇지 않았어.
그리고 젊은 연주자는 그 나이에 맞게 연주하는 게 제일 좋은 것 같아. 너무 어른스럽게 연주하는 것도 아니고, 그렇다고 가볍지도 않고, 딱 자기 나이에 맞는 연주. 그게 제일 매력적이지 않을까 싶어.
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When introducing a piece, I usually start by explaining which era the composer is from, and then give technical examples—for instance, pointing out if a certain section comes back later in the piece. And, of course, you can’t play the violin quickly right from the start.
So at first, I show the tempo slowly and then gradually increase it, demonstrating how it should speed up. I might play the original performance from YouTube and say something like, “This is the original tempo, but here’s how you should practice it.”
After that, you can explain the practice methods. For example: practice this part with dotted rhythms, play this section staccato, flick your arm here—give those details. It’s not about just running through the piece from start to finish; the important thing is to highlight from the beginning how the piece should be played.
소개할 때는 일단 이 사람이 어느 시대 사람인지 얘기해주고, 테크닉적으로 예를 들어서 섹션이 있으면 여기 부분이 다시 나온다든지 그런 걸 먼저 설명해주는 거야. 그리고 바이올린은 처음부터 빨리 연주할 수 없잖아.
그러니까 맨 처음에는 템포를 천천히 해서, 나중에 이렇게 점점 빨라진다 하는 걸 보여주는 거지. 유튜브 같은 데서 오리지널 연주를 들려주면서 “원래는 이 정도 템포인데, 연습은 이렇게 해야 된다” 이런 식으로 시작하는 거야.
그다음에 연습 방법을 알려주면 돼. 이 부분은 붓점으로 연습해라, 이 부분은 스타카토로 해라, 여기서는 팔을 튕겨야 한다, 이런 걸 디테일하게 얘기해줘야 해. 그냥 처음부터 끝까지 후루룩 치는 게 아니라, 맨 처음에 “이 곡은 이렇게 연주해야 된다” 하는 걸 짚어주는 게 중요한 거지.
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For example, there are times when you suddenly don’t feel like playing the violin—when you just don’t want to do anything. That’s exactly when burnout hits. Telling yourself to practice more at that point doesn’t help. You won’t play better, you’ll just feel worse and dislike it even more.
At times like that, it helps to switch to a different piece. Not something overly difficult or technical, but maybe a piece you’ve enjoyed before, perhaps even playing it as a duet.
Refreshing yourself isn’t always easy—it takes time. But the key is that when it’s hard, the answer isn’t to force yourself. Taking a short break, resting, or switching to a different piece can be the best approach.
일단 예를 들면, 바이올린을 갑자기 하기 싫어질 때가 있거든. 뭐라 그러지? 그냥 다 하기 싫어지는 거. 그럴 때가 바로 번아웃이 올 때지. 그럴 때 더 연습하라고 하면 그건 아니잖아. 그때는 더 못 하지, 더 안 되지, 더 하기 싫잖아.
그럴 때는 곡을 좀 다른 걸로 하는 거야. 너무 테크닉적으로 어렵고 힘든 곡 말고, 예전에 재밌게 했던 곡을 같이 듀엣으로 해본다든가.
사실 리프레시 하기가 쉽진 않아. 시간이 좀 필요해. 근데 정답은, 하기 힘들 때 억지로 계속 하라는 게 아니라는 거지. 잠깐 브레이크 하고 쉬거나, 아예 곡을 다른 걸로 바꿔 보는 게 방법이야.
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Playing solo is when I get the most nervous. There’s no way to avoid it when you’re performing alone. But when I play with others, I don’t feel nervous at all—it just doesn’t happen.
To stop shaking, it’s like this: say a piece requires practicing 100 times. But to really play without nerves, you might need to practice 150 or 200 times. Even if 100 is technically enough, doing 200 makes it impossible to shake. At that point, I just go like an AI—my body moves automatically, completely independent of my emotions. It’s just practice, pure practice.
What’s great about the violin is that you have to sit and keep going—two, three, four hours at a stretch. That builds endurance—the ability to repeat the same thing for a long time. I think I’m pretty good at endurance, and it probably came from all those hours of sitting, sticking with the chair, and repeating the same thing over and over. It’s something I’m used to.
혼자 연주할 때 제일 긴장하지. 솔로로 할 때는 긴장을 안 할 수가 없어. 근데 이제는 같이 연주하는 건 긴장 안 돼. 그냥 같이 하는 건 긴장이 안 되는 것 같아.
그리고 안 떨리려면, 예를 들어서 100번 연습해야 된다고 치자. 근데 150번, 200번을 연습해야 진짜 안 떨려. 적정한 연습 횟수가 100번이라고 해도, 200번을 하면 절대 떨릴 수가 없어. 그때는 내가 그냥 AI처럼 가는 거야. 감정 같은 거랑 상관없이 몸이 그냥 움직이는 거지. 그냥 연습이지, 연습.
바이올린이 좋은 게 뭐냐면, 그냥 계속 앉아서 해야 되는 거잖아. 2시간이고 3시간이고 4시간이고 계속 연습해야 돼. 그게 바로 지구력이야. 뭔가를 오래 똑같이 반복해서 연습하는 능력. 나는 지구력이 좋은 편인데, 그게 아마 이렇게 연습하면서 생긴 것 같아. 엉덩이 붙이고 의자에 앉아서, 똑같은 걸 계속 반복하는 거. 그게 익숙한 거지.
